El confinamiento se alarga y la casa se nos queda peque\u00f1a ante tantas horas sentados en el sof\u00e1 o, aquellos que tienen suerte, en la terraza o en el balc\u00f3n. Sin embargo, tener tiempo libre no es sin\u00f3nimo de aburrimiento o, tal vez, preocupaci\u00f3n por no saber qu\u00e9 hacer o cu\u00e1l ser\u00e1 el futuro. La m\u00fasica cl\u00e1sica nos ha dejado perlas tan preciosas que a veces no nos paramos a apreciar todos los matices, todas las din\u00e1micas o las historias que se esconden detr\u00e1s de unas obras que a veces s\u00f3lo o\u00edmos, pero no escuchamos.<\/p>\n

En este art\u00edculo, querr\u00eda recomendaros cinco obras para poner m\u00fasica al confinamiento, a los ratos libres, o a cualquier momento que teng\u00e1is para hacer una escucha atenta y activa de una m\u00fasica que siempre esconde detalles para disfrutar.<\/p>\n<\/div>\n

1. Claudio Monteverdi. Lamento della Ninfa<\/em>.<\/h4>\n
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$\"\"$ Claudio Monteverdi (1567-1643) fue un compositor italiano que se\u00f1ala el paso de la m\u00fasica del Renacimiento al Barroco. Autor del famoso Orfeo<\/em>, dedic\u00f3 su composici\u00f3n tanto a la m\u00fasica religiosa como secular, con los madrigales como una de sus formas m\u00e1s proliferas. El Lamento della Ninfa<\/em> pertenece al octavo libro de madrigales del compositor, Madrigales guerreros y amorosos<\/em> (Madrigali Guerrieri, te Amorosi con alcuno opuscoli in genere reppresentativo, che saranno por breves episodio fray y cante senze gesto<\/em>), que data de 1638 y que fue dedicado a Fernando III de Habsburgo, nieto del archiduque Carlos. Inicialmente escrito para soprano, dos tenores, bajo y bajo continuo (aunque se han hecho varias versiones), el Lamento della Ninfa<\/em> es uno de los madrigales m\u00e1s famosos del compositor italiano, basado en una canzonetta <\/em>de Ottavio Rinuccini.<\/p>\n
Una ninfa abandona su casa para adentrarse en el bosque llorando desconsoladamente por el amante que la ha abandonado, en una reflexi\u00f3n sobre el amor crudo: “Perch\u00e9 di lui m\u00ed struggo, tutt’orgoglioso sta, (…) che si se le Fugger, ancor m\u00ed pregher\u00e0? ” ( “Porque anhelo por \u00e9l, \u00e9l est\u00e1 orgulloso (…) quiz\u00e1s en alejarme, \u00e9l me rogar\u00e1”). El relato se mueve en un \u00e1mbito descriptivo y contemplativo propio del madrigal tradicional, y que se hace a\u00fan m\u00e1s latente en la primera y la tercera parte de la obra. En el centro, este clamor desconsolado pasa de la primera a la tercera persona, una caracter\u00edstica del g\u00e9nero reppresentativo <\/em>muy utilizada por Monteverdi y que le da a\u00fan m\u00e1s un car\u00e1cter casi teatral. Por otra parte, Monteverdi cede libertad r\u00edtmica de la soprano, representando el llanto de la ninfa ( “Qui\u00e9n va cantados a tempo dell’affetto del animo”) y lo contrapone al equilibrio del bajo empe\u00f1ados, consistente en cuatro acuerdos descendientes que se repiten dando cohesi\u00f3n arm\u00f3nica y r\u00edtmica en toda la obra. El resto de voces masculinas contemplan la escena y se compadecen de la ninfa ( “Miserella, ah pi\u00f9 no, no, da igual hielo soffrif non pu\u00f2”), creando otro plano sonoro al dramatismo de la escena.<\/p>\n
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2. Franz Schubert. Quartet de corda n\u00fam. 14 Der Tod und das M\u00e4dchen, Andante con moto<\/em>.<\/h4>\n
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$\"\"$ Se trata de una de las grandes obras de c\u00e1mara del compositor austriaco Franz Schubert (1797 a 1828). Un\u00e1nimemente reconocido como el maestro del lied, Schubert compuso este cuarteto en 1824, despu\u00e9s sufrif una grave enfermedad que no tardar\u00eda en llevarse su vida. El t\u00edtulo, motivado por el tema del segundo movimiento Andante con moto<\/em>, refleja la angustia de este momento de su vida, pero que, sin embargo, adapt\u00f3 de un lied anterior compuesto por \u00e9l mismo en 1817.<\/p>\n
Me gustar\u00eda centrarme especialmente en el Andante con moto<\/em>, un movimiento estructurado sobre un tema y cinco variaciones. El tema principal y que se puede escuchar al inicio de la obra en forma de marcha lenta caracteriza la muerte, pero contrariamente a lo que cabr\u00eda esperar de la tem\u00e1tica, su final es en una tonalidad mayor, enlazando con las cinco variaciones correspondientes. Estas no salen de los 24 compases del tema principal, expresando cada una de ellas una emoci\u00f3n totalmente diferente. Los tempos, las din\u00e1micas y las expresiones cambiantes son los recursos utilizados por Schubert para mostrar momentos que van desde la elegancia propia de sus Lieder, pasando por la desesperaci\u00f3n hasta aquello demon\u00edaco donde las s\u00edncopas y los saltos espectaculares del pian\u00edsimo al fort\u00edssimo toman protagonismo. A pesar de la baja recepci\u00f3n que tuvo la obra en vida del compositor, actualmente se ha convertido en uno de los pilares musicales para la formaci\u00f3n para la que se escribi\u00f3.<\/p>\n<\/div>\n

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3. Amy Beach. Roman\u00e7a en La Major per viol\u00ed i piano, Op. 23<\/em><\/h4>\n
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$\"\"$ Pianista y compositora estadounidense, Amy Beach (1867-1944) fue la primera mujer americana en ganar fama por su carrera dentro del mundo de la composici\u00f3n. Un referente que, sin duda, en un mundo dominado por los hombres, fue aplaudido tanto en Europa como en Estados Unidos por sus recitales de piano, mientras que, como compositora, inspir\u00f3 su percepci\u00f3n musical en el Romanticismo y el nacionalismo europeos. Fascinada por las obras de Dvo\u0159\u00e1k y Brahms, Amy Beach quer\u00eda crear un estilo norteamericano de tipo nacionalista, que plasm\u00f3 en su obra m\u00e1s conocida: la Sinfon\u00eda Gaelique Op. 32<\/em>, donde la m\u00fasica folk de los colonizadores brit\u00e1nicos y la esencia tradicional americana se funden en una obra madura que define una nueva voz constituida por todo una mezcla de culturas que conectan el pasado, el presente y el futuro.<\/p>\n
Aunque esta sinfon\u00eda es un “must”, quisiera hablar de otra obra menos conocida: la Romanza para viol\u00edn y piano Op. 23<\/em>. Presentada en 1893 en la Columbian Exposition de Nueva York, adquiri\u00f3 un \u00e9xito inmediato por parte del p\u00fablico. La delicadeza del viol\u00edn, en los agudos y los graves, en los fuertes y los pianos, es contrapuesta a las corcheas del acompa\u00f1amiento, que dan estabilidad a la melod\u00eda, mientras hace latente las influencias del Romanticismo europeo, especialmente de Brahms. El di\u00e1logo entre ambos instrumentos refleja la estrecha relaci\u00f3n de la compositora con el violinista Maud Powell, para quien escribi\u00f3 y al que dedic\u00f3 la obra, y junto con quien la estren\u00f3. Se trata de una obra c\u00e1lida, emotiva y delicada, adjetivos que caracterizan la propia forma de la romanza de este periodo.<\/p>\n<\/div>\n

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4. Jean Sibelius. Impromptu n\u00fam. 5 in Si menor, Op.5<\/em><\/h4>\n
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$\"\"$ En esta serie de recomendaciones musicales, no pod\u00eda faltar al menos una obra de Jean Sibelius (1865-1957), dada nuestra predilecci\u00f3n por el autor. M\u00e1s conocido por su m\u00fasica orquestal, Sibelius fue un compositor finland\u00e9s y uno de los m\u00e1s populares de finales del siglo XIX, especialmente en cuanto al rol que su m\u00fasica desarroll\u00f3 en la formaci\u00f3n de la identidad nacional finlandesa. Por lo menos, mi idea era ir m\u00e1s all\u00e1 de su Finlandia <\/em>o el Valse Triste<\/em> y revisar de entre sus composiciones para piano, de entre las que no pasa desapercibido su recopilaci\u00f3n de Seis impromptu<\/em>. Estos son un tipo de forma musical, normalmente para piano, que consta de una forma bitem\u00e1tica, es decir, un tema principal (A), un tema B, y el retorno al tema A. Pensando en la repetici\u00f3n del primer tema, caemos en la suposici\u00f3n de que se trata de una transcripci\u00f3n de una improvisaci\u00f3n hecha por el propio compositor, aunque se trata de obras trabajadas al detalle y que pretenden mostrar gran virtuosismo.<\/p>\n
En el caso del Impromptu n\u00fam. 5 en Si menor Op. 5<\/em>, la obra comienza con una peque\u00f1a introducci\u00f3n hacia el tema principal, de gran ligereza y agilidad, provocando una sensaci\u00f3n de estar suspendido en el aire. Con esta obra, Sibelius da paso a la libre imaginaci\u00f3n del int\u00e9rprete y del p\u00fablico, ofreci\u00e9ndoles un medio para viajar dentro de sus propias ideas y sensaciones en una obra con pocas din\u00e1micas sonoras pero que no peca de est\u00e1tica, sino todo lo contrario: la fluidez de las notas y la transici\u00f3n de los temas hacen que la m\u00fasica llegue a quien la escucha como una mezcla de sensaciones sutiles, como si se tratara de un sue\u00f1o.<\/p>\n<\/div>\n
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5. Arvo P\u00e4rt. Silouan\u2019s Song: My sould yearns after the Lord<\/em>.<\/h4>\n
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$\"\"$ El estilo minimalista y arcaizante de Arvo P\u00e4rt tampoco puede faltar en nuestro confinamiento. Nacido en 1935 en Estonia, es el compositor vivo m\u00e1s interpretado del mundo, tanto por su calidad musical y emocional como por su capacidad de atraer el p\u00fablico.<\/p>\n
En 1991 estren\u00f3 Silouan s Song, compuesta por orquesta de cuerda y basada en un texto religioso de San Silouan, un monje ruso cuyos escritos P\u00e4rt ha basado gran parte de su obra. Lo curioso es que, incluso, la melod\u00eda y el ritmo se basan en la propia musicalidad texto, con la intenci\u00f3n de que tambi\u00e9n pudiera ser interpretado con la voz, a trav\u00e9s del recitado de las palabras de Silouan. El sencillo mensaje del texto, “my sould yearns after the Lord” (“mi alma anhela al Se\u00f1or”), se transmite mediante una sonoridad extremadamente asc\u00e9tica y reducida, acompa\u00f1ada de las notas graves y largas de la orquesta, con especial \u00e9nfasis en las pausas que redondean el dramatismo po\u00e9tico que tan caracteriza la obra.<\/p>\n<\/div>","protected":false},"excerpt":{"rendered":"
El confinamiento se alarga y la casa se nos queda peque\u00f1a ante tantas horas sentados en el sof\u00e1 o, aquellos que tienen suerte, en la terraza o en el balc\u00f3n. Sin embargo, tener tiempo libre no es sin\u00f3nimo de aburrimiento o, tal vez, preocupaci\u00f3n por no saber qu\u00e9 hacer o cu\u00e1l ser\u00e1 el futuro. La […]<\/p>","protected":false},"author":5,"featured_media":12495,"comment_status":"open","ping_status":"open","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":{"_acf_changed":false,"footnotes":""},"categories":[248],"tags":[1498,1484,427],"class_list":["post-12128","post","type-post","status-publish","format-standard","has-post-thumbnail","hentry","category-recomanacions","tag-confinament","tag-coronavirus","tag-recomanacions"],"acf":[],"_links":{"self":[{"href":"https:\/\/www.barcelonaclasica.info\/es\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/12128","targetHints":{"allow":["GET"]}}],"collection":[{"href":"https:\/\/www.barcelonaclasica.info\/es\/wp-json\/wp\/v2\/posts"}],"about":[{"href":"https:\/\/www.barcelonaclasica.info\/es\/wp-json\/wp\/v2\/types\/post"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.barcelonaclasica.info\/es\/wp-json\/wp\/v2\/users\/5"}],"replies":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.barcelonaclasica.info\/es\/wp-json\/wp\/v2\/comments?post=12128"}],"version-history":[{"count":1,"href":"https:\/\/www.barcelonaclasica.info\/es\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/12128\/revisions"}],"predecessor-version":[{"id":12844,"href":"https:\/\/www.barcelonaclasica.info\/es\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/12128\/revisions\/12844"}],"wp:featuredmedia":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.barcelonaclasica.info\/es\/wp-json\/wp\/v2\/media\/12495"}],"wp:attachment":[{"href":"https:\/\/www.barcelonaclasica.info\/es\/wp-json\/wp\/v2\/media?parent=12128"}],"wp:term":[{"taxonomy":"category","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.barcelonaclasica.info\/es\/wp-json\/wp\/v2\/categories?post=12128"},{"taxonomy":"post_tag","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.barcelonaclasica.info\/es\/wp-json\/wp\/v2\/tags?post=12128"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}